舞蹈家沈伟 从未将绘画和舞蹈分开

沈伟和他的画作

       因为自觉绘画语言尚未成熟，舞蹈家沈伟以前很少对外展示自己画家的一面。现在，他将于美国首开大型画展，亦觉得这时对外公示画家的身份，时机正好。       12月5日，“沈伟—黑白灰”视觉艺术展（Shen Wei In Black, White Grey）将由迈阿密达德学院艺术与设计博物馆（MDC博物馆）、MDC Live Arts联合呈现，并将持续展出至明年2月1日。为配合画展开幕，12月5日至7日，来自沈伟舞蹈团的12名舞者还将穿梭于画作与观众之间，首演以该系列绘画为灵感创作的5部舞蹈。 

用水墨技法探索抽象画语言
       此前，沈伟也曾在画廊举办过几次小型展览，但都不及这次规模大、热望高。整个展览占据了博物馆整整一层，11幅画作16至30英尺大小不等，全部采用黑、白、灰三色，尽现了明与暗、躁和静的对比。画作表面看上去是壮丽的山水画，内里却是极自然的抽象画。沈伟将自己对中国水墨的理解和西方油画的探究结合，亦将画作与舞蹈进行了一次“镜像”式对话。        
       据说，不少来自中国的收藏家、仰慕者和记者，都临时起义争相来此看展。“今年，我已经准备好了展示自己的画家身份。”沈伟说，“这对我来说是一个很重要的时间点，也是一个意义重大的项目，大概也是我一生中最美好的一个时刻吧。”        
       “他的画作呈现偏冷峻，但又饱含了充沛的情感和节奏感。”在MDC博物馆执行董事杰里米·米柯莱扎克（Jeremy Mikolajczak）看来，沈伟的画作与他的编舞风格有异曲同工之处，“有很强的结构性，同时自由，也开放。” 杰里米亦认为此次画展对拓展沈伟的艺术家身份有着重要意义，“现代艺术与表演越来越呈跨界交融的趋势，沈伟的绘画手艺也越来越精进，我们不妨看看他作为画家的这一面，一点违和感也无。”
       为了这次展览，MDC Live执行董事凯瑟琳·加西亚（Kathryn Garcia）构思已有两年时间。自2003年邀请沈伟舞蹈团至此表演《春之祭》，凯瑟琳一直对沈伟的编舞之才青睐有加。三年前，她开始与沈伟正式商谈此事。“我很喜欢他。”凯瑟琳说，“每次看他的舞蹈，我都会被他的才华震慑。我一点也不奇怪他会是一个视觉艺术家。”        
       但两年前被邀办展时，沈伟一度很犹豫，坚称说“我还没准备好。”对于自己的舞蹈语言，沈伟向来有着清醒的认识，但绘画语言，直至近两年他才敢说越来越清楚。一路画过来，沈伟自言曾从不同大师处借鉴技法、认知和世界观，“模仿性还在，或借鉴性很多。”这些年渐渐认识到自我的个人感官，绘画技巧比较成熟了才敢亮相。
        据说沈伟早年在中国的写实油画有些许弗洛伊德的影子，1995年到纽约之后画风数度逆转，写实到超现实，后现代到抽象均有。沈伟说，他现在的油画，是用水墨画的技法与线条，探索抽象画的语言。对抽象和理性的追逐，其实也早已内化到他的舞蹈创作中。
       犹豫的另外一个原因，是他不想被“逼”画画，不为做展，也不为卖画，只为自己想做而做。在绘画上，沈伟没了舞蹈创作常有的危机感和紧迫感，“完全是我自己的爱好”。 
     

从未将绘画和舞蹈分开
       成长于中国传统湘剧世家，那个青葱少年在被现代舞吸引之前，曾沉浸于严谨的中国戏曲、书法、水墨和西方油画训练之间。幼时，父母希望他成为画家的愿望，更甚于编舞家或戏曲演员。19岁，沈伟报考中央美术学院，专业成绩第二，却因英语成绩不佳落榜，南下加入广东舞蹈学校现代舞实验班，自此将人生路岔向了舞蹈。
       从最早期的《太阳照常升起》，到在纽约打响声名的《声希》、《天梯》、《春之祭》，直至最新近的《布兰诗歌》，沈伟涉足的始终是“整体艺术”（Gesamtkunstwerk）的概念：他一手包揽了舞蹈的编排、舞美、服装和化妆设计，视觉环境与舞蹈的呈现自成一体，构图和舞台调度带画面感；同时，作为一个视觉艺术家，他又将运动的能量带到了画布上。因为戏曲和学画的经历，沈伟对人体有熟识的了解。他认为身体多变、有趣，是人自身最值得探讨的部分。他热爱身体曲线、皮肤和骨骼的魅力，也对人体带动出来的视觉感痴迷，认为转瞬即逝的人体流动自带“生命感”。  

       因而，沈伟习惯让舞者身沾墨汁或油彩，以“纸上舞蹈”的形式于画布上作画。他一直在研究和练习，人体的能量和运动会如何影响画笔的走势？当人身体的不同部位，包括脚、手臂、手指与画布接触，会有什么不同的反应？作为与画布接触的一种媒介，“当人体与画布触碰，整个绘画过程也变得生动起来。”              沈伟在纽约编舞近20年的另一处改变，是让舞蹈从传统剧场走向了公共空间，越来越常见于特定的公共场地。2011年，他的实景多媒体行为舞蹈《分与合》在纽约公园大道军械库5500平方米的大厅出演，33位裸身舞者身沾颜料，在树脂玻璃制成的装置中留下不规则运动痕迹；同年，他的实景行为舞蹈《静止的移动》在纽约大都会博物馆上演，舞者用素净的布条裹身，裸露上半身，犹如博物馆雕塑夜半复活四处游走；去年，他的《Re-Turn》又在意大利一处私人艺术收藏展上出演，满身油彩的舞者同样在他操刀设计的装置上“舞文弄墨”。

       “黑白灰”画展上，这些舞者同样会在观众近距离的“贴身”围观中起舞。视觉和舞蹈元素越来越受对方影响，传统舞台曝露了局限性，这是沈伟近来频繁走进博物馆等特定场所演出的原因。在他看来，不同空间会对舞者、观众带来完全不同的感染力，他也并不喜欢观众进剧场那种“给予”的状态，而更喜欢观众走进博物馆选择“主动”沉浸于一个世界的状态，“一旦上了台，我会希望舞蹈和人所有的感官有所连结。”      
       绘画对现在的沈伟来说，也越来越似一种“创造性中介”。他在新泽西有个大画室，离纽约曼哈顿的家挺近，与舞蹈无关的时间里，他会一个人坐 40 分钟地铁去画室，一呆就是18或20个小时，“花那么多时间巡演，被那么多人包围，我需要一些时间独处。”绘画时，沈伟并不让助理等人进来，完全处于一种非常个人的状态，“当你进入那种情绪或空间，其实挺美的。你如此孤立，同时又如此自由，在时空穿梭里，有表达，也有想象力。”
       你更愿意被人称为会跳舞的画家，还是会画画的舞蹈家？“我就是一个艺术家。”在今年10月上海戏剧学院的一场讲座上，沈伟不带犹豫地说，他无所谓别人叫他什么，舞蹈，画画，什么都无所谓，“人们喜欢把所有东西分门别类，觉得这样好管理。但艺术家就是做艺术的，偏视觉也好，偏音乐也好，不该为了方便管理而把自己放到筐子里抹杀天性。”        
       就像不会刻意区分不同文化对创作的影响，沈伟也不并会区别对待表达自我的媒介，正如本次展览宣传用语所言——“没有人分开教我艺术（指舞蹈、绘画），在我的作品中，我也不会将它们分开。”沈伟说，“我现在可能会做更多展览，画更多画，因为我找到了属于自己的绘画语言。但我不会停止跳舞，它长在我的身体里，是我永远的热情所在。任何与艺术有关的事务，都会是我的热情源头。”        
(原标题：感谢中央美院没有录取沈伟，世间多了一个爱画画的舞蹈家)