饱览大师 纵观新剧 2012国家大剧院舞蹈节
日本舞蹈大师田中泯先生曾到过北京，在草场地的一条胡同里做过一次即兴舞蹈表演。起初，他只在胡同里沉默地走着，很慢很慢，一步一步地走到一间再普通不过的杂货铺门前，然后慢慢地、神奇地、跳起舞来。后来问他，为什么要在胡同里走那么久才开始跳舞？他说，因为要听这个地方的气息，只有听见了才能跳舞。
当一个舞者在你面前动起来时，他一定有着自己的理由，我们所要做的，只是静静地、静静地——听。
饱览大师 纵观新剧
2012国家大剧院舞蹈节
2012年10月24日~11月24日
每天 07:30~22:00
《哈利·波特》的动作指导，当今舞坛身价最高的女星；开创了当代芭蕾的荷兰舞蹈剧场灵魂人物，被《华盛顿时报》称为“我们时代最伟大的艺术家之一”的华裔舞蹈家……纽约城市芭蕾舞团、旧金山芭蕾舞团、荷兰舞蹈剧场、斯图加特芭蕾舞团、“云门舞集2”、中国国家芭蕾舞团……
在为期32天的时间内上演13台30场来自世界各地的舞蹈作品，10月24日~11月24日期间举行的2012国家大剧院舞蹈节仿佛是一场名家名作的“博览会”。这届舞蹈节的主题为：“经典·创新”。旅居海外的舞蹈评论家王晓蓝说：“中国真正打开门只是在近些年，大家看到的并不多，这个舞蹈节能够给中国观众和专业人士最宝贵的东西就是，让大家真正感受到当今世界艺术的水平。”正如《纽约时报》对“云门2”的评论，“云门2的卓越应与世界分享！”同样，这些卓越的舞蹈也期待我们的分享。
约翰·诺伊梅尔：舞蹈是通用的语言
“对我来说，编排舞蹈作品如同用动作书写诗篇。我的每部芭蕾作品都是根据我的个人经历或是我对经典、神话主题的理解而创作的。”
约翰·诺伊梅尔以改编经典名著为芭蕾作品而著称于世，他创作的戏剧芭蕾风格独树一帜，将古典和现代舞技结合和发挥得淋漓尽致。曾在初出茅庐之时即被舞评家誉为“后生可畏的男孩儿”。至今他已创作了上百部作品，其中有20多部是大型作品，并且以“戏剧芭蕾”居多，而这种“戏剧情结”又常常隐约闪现在抽象的交响芭蕾之中，使其作品放射出别样的艺术风采。
已经多次来华演出的诺伊梅尔对中国已经有了感情，他觉得中国社会的变迁和舞蹈也不无联系：“我们第一次中国巡演至今已10年有余。10年间，中国社会正在不断变革，这种时间和空间上的‘运动’也正是舞蹈的基本要素。‘运动’于我象征着生命，我们所讲述的故事也是我们生命的写照。”
Q:您说过“语言是语言，舞蹈是舞蹈”，您觉得应该如何向中国普通观众介绍舞蹈的魅力？
A:舞蹈是一种非常人性的艺术。无法用语言加以描述的东西，可以用舞蹈加以呈现。我也曾经是一名舞者，我能够想象观众看到一个动作之后的反应。所以我希望观众能进入到舞蹈的氛围之中，去感受其中的情感。
舞蹈是一种通用的语言，当我们通过舞蹈交流时，我们的感受也许是最直接的。看到舞者们将自己转化为故事中的人物时，我们也许能够发现我们共通的人性——与他们同悲同喜，分享我们的梦想、渴望和苦闷。
Q:作为世界著名的童话，《小美人鱼》的故事被广大观众熟知，您是如何将这个传统题材赋予新意的？
A:我在编创这个作品的时候，特别注意，绝对不能落入俗套，比如说大家比较熟悉的迪士尼版本，最后喜剧结局，皆大欢喜。
爱情是人类最重要的灵感和最强大力量的源泉。安徒生的童话给我们讲述的就是一个爱情悲剧。安徒生告诉我们：我爱一个人，并不意味着这个人必须爱我。这才是爱情悲剧的所在。
我在编排的时候着意将两个不同的世界展现在观众面前：一个是单纯平静、纯洁无瑕的海底世界；一个是凌乱纷杂、变幻莫测的人类社会。
Q：古典音乐曾经历过从抒情到叙事的现代转变，您的芭蕾作品更注重于抒情，将来是否会创作不同方向的作品？
A：对我来说，编排舞蹈作品如同用动作书写诗篇。我的每部芭蕾作品都是根据我的个人经历或是我对经典、神话主题的理解而创作的。即便是以文学名著为主题，引导我创作舞蹈的灵感仍始终来自于我的经历、观察或感受。在最初我也许只是对一个特别的主题产生兴趣，被一个剧本或一段别具特色的音乐所吸引，决定将他们作为创作的素材纯系直觉使然——之后，我便会忘情地投入创作，并在最终的作品中融入自己的各种体验。不是简单地复制，不是整天重复机械的东西，而是我们生活在艺术当中，让舞蹈艺术拥有生命。
中国国家芭蕾舞团芭蕾舞剧《小美人鱼》
2012年11月23日~11月24日
作为纪念安徒生诞辰200周年致敬之作，约翰·诺伊梅尔2005年应丹麦皇家芭蕾舞团之邀创作的作品。其蓝本是安徒生1836年的童话经典《海的女儿》。在这部作品中，诺伊梅尔受日本能剧的影响，为主演设计了宽大的裤裙，而“小美人鱼”在变成人的瞬间，演员又要赤足跳出安徒生文字中“在玻璃上行走”的感觉。最有创意的是诺伊梅尔还将作者安徒生的角色加入舞剧，演绎出一幅跨越时间、现实、童话和民族的爱情史诗。
姜秀珍：舞蹈让我的身体表达感情
“舞蹈让我不断地改变着自己，让我的身体能表达自己的各种感情。”
难以想象拥有400年历史的欧洲顶级芭蕾舞团斯图加特芭蕾舞团的首席演员竟是一位45岁的韩国舞者。自1986年19岁起，姜秀珍以最年轻演员的身份加盟该团20载，每天超过10个小时以上的反复训练，一年穿坏了250多双芭蕾舞鞋。“早上一睁开眼睛，总有什么地方会疼。如果哪一天不疼，我就会自我反省道，‘是我练习偷懒了！’对我来说，辛苦是件很普通的事。”残酷地对待自己的身体，最终优雅地登上舞台，这就是45岁依然在芭蕾舞台第一线的姜秀珍。
Q：你最开始是学习韩国民族舞的，你是如何踏上芭蕾舞的道路？民族舞的学习经历对你练习芭蕾有没有什么帮助或者影响？
A:对于一个芭蕾舞演员来说，我起步挺晚的，当时已经11岁了。因为我先还学了两年韩国的民间舞，然后才学的芭蕾。毕竟芭蕾是一种西方的东西，但我们作为亚洲人，也能给它带来某种独一无二的特征，并由此与其他的西方演员有所不同。韩国民间舞对我后来的芭蕾表演生涯帮助太大，因为它最重要的特点是呼吸。就像瑜伽那样从内向外地加以控制的呼吸。这种呼吸的方式在我长大之后，给我帮了大忙。
在日常生活中，我们如何去呼吸，是用不着去思考的。但是在舞蹈中，呼吸本身就是一种技术，如果你不去深呼吸，如果你的动作不根据剧本，去处理呼吸的深和浅，你的身体表情就苍白无力了。可以说，随着你的呼吸变化，你的身体表情也在发生着变化。
Q:你跳过很多不同芭蕾舞剧，像《罗密欧与朱丽叶》 《驯悍记》《茶花女》。生活中不管是抒情的角色、戏剧的角色还是交响芭蕾你都跳过，你觉得哪一类作品自己最拿手？
A:说真的，我喜欢所有这些风格。因为它们让我不断地改变着自己，它们让我的身体能表达自己的各种感情。但是你如果问我最喜欢的角色，那一定是约翰·诺伊梅尔编导的《茶花女》了，因为它的故事，因为它的音乐，因为它的角色。
Q:你跳的很多剧目都是经典剧目，在演绎这些剧目的时候是否很有压力？
A:经典的剧目足以让人惊叹不已，如果你的表演很有质量，它们可以是很优秀、很优美的。但是你的表演如果没有质量，那么，这个经典剧目就死掉了。因此，我觉得，如果你的表演没有性格，没有表情，那么再好的剧目也就完蛋了。古典的剧目是完美的，但艺术中没有完美可言，因此，它才是艺术。要做到完美，要让艺术赋予生命力，要靠我们这些个人。
德国斯图加特芭蕾舞团芭蕾舞剧《茶花女》
2012年11月8日~11月10日
三幕芭蕾舞剧《茶花女》首演于1978年，由芭蕾编导大师约翰·诺伊梅尔根据小仲马的同名世界名著改编，舞剧选用了肖邦的音乐作为配乐，《茶花女》对于人物心理的细腻刻画及戏剧情节的巧妙描摹，堪称“戏剧芭蕾”的经典。
林怀民：云门2更自由、更纯粹
“我属于小时候‘困’在家里、在书堆里长大的一代，作品都建基于传统，但云门2算是‘在街上成长’的一代人的作品，他们的舞蹈更自由、更纯粹。”
舞蹈之路：等地铁挂腿，“赤脚医生”的精神
14岁发表小说，22岁出版《蝉》，上世纪六七十年代，林怀民本是台北文坛引人注目的作家。然而林怀民心中的梦想却是舞蹈：“5岁时，我看到了英国演出的芭蕾舞《红鞋子》，让家里大人轮流带着看了11遍，特别着迷，无奈当时没有像现在这么多的舞蹈学校。14岁时，我用赚来的第一笔稿费报了舞蹈班，但发现老师讲的和自己看的、想的不一样，我就在想：老师讲错了吧？23岁时，我去了美国，在那里学舞蹈，可20多岁筋骨都老了，只好把所有业余时间用来学跳舞。因为要打工付学费，即使一天上完三四堂舞蹈课，等地铁时也挂腿，挂完左边挂右边。”
70年代初，林怀民在美国某画报上看到文革时期“赤脚医生”的照片，顿时“觉得文化、艺术就应该这样普及”。26岁时，林怀民回到台湾创立了云门舞集， “就想着要跳出梦想，舞出我天地，觉得美国有的，我们也能有。可是想象简单，做起来又是那么难。怀着一腔热血，糊里糊涂地创办了舞团，可怎么训练、编舞什么都不知道，云门的今天是一步步摸索出来的。”而“赤脚医生”精神的鼓动则使得云门经常下基层演出，“我们去社区、山村，就是给工人、普通老百姓演出，走进学校给学生们演。”
云门新声——云门舞集2精品荟萃
2012年10月31日~11月1日
获美国《舞蹈》杂志2011年“25位最受瞩目舞蹈家”之一的黄翊的《流鱼》，以群舞交织穿梭流动，让观众“看到”音乐。他的《下回见》则展现朝九晚五上班族在小提琴协奏曲中调情、嬉闹、尔虞我诈，最后演变为全面战斗。布拉瑞扬的《出游》被视作整场最“吸引眼球”的作品，年轻美丽的女子被迫重复穿衣、脱衣、再穿衣，为她的生命仪礼做准备。2011年罗马国际编舞比赛大奖得主郑宗龙的《墙》，则用繁复得惊人的队形转换，表现出青春期的苦闷和力量。根据希腊神话创作，描摹的是恐慌、疏离、神经质的现代社会的《坦塔罗斯》，是为纪念36岁英年早逝的云门2编舞家伍国柱特别而作。
云门2：“他们的舞蹈比我的好看”
1999年，林怀民又成立了演出二团，即云门舞集2，舞蹈家罗曼菲出任艺术总监。云门2同样搭载了林怀民“物质上的平等很难实现，在文化上人与人之间应该是平等的”的理念，广场、礼堂、篮球场、乡间，都是他们的舞台。
云门2的风格让林怀民耳目一新：“他们的舞蹈风格与我的完全不同，虽然我很不愿意承认，但他们的舞蹈比我的好看。观众看了会兴奋开心，会笑会哭。因为年轻编舞中有的人小时候拖着大袋拖鞋在街上叫卖，他们将成长磨砺中的冲击转化为创作的养分，有着泼辣的生命力。我的作品里常有古人的东西，所以才会编《屋漏痕》 《行草》 《九歌》。云门2的舞讲的东西不难懂，年轻人编舞的东西，却是从生活中来的，没有包袱，通过肢体、舞蹈去描述对于生活的感受。他们是从辽阔的网络中寻找灵感。我是站在传统文化的巨人肩膀上寻找自我；而他们，则是站在网络的浪头上个性地表现自己。”谈到这些年轻弟子，林怀民这样说：“真正想创作的人是拦不住的，年轻时想做事的冲动很重要，这种叛逆不是整天和别人吵架，而是有个性，他们的动作一出来就和别人不一样。要知道，好学生很多，但好艺术家并不多。”
黄翊：舞蹈就像空气
“我想要让大家看到我的世界，在那个世界里有我重新定义的空气、光线、地心引力、时间，以及人存在其中的样子。”
父母是国际标准舞老师，干爹是舞厅的经理，在舞厅长大的孩子黄翊天生就懂得用肢体来表达自己的内心。“看着舞池里的人在不同的光影下产生了不同的时间感，干冰与烟机让整个舞台瞬间变得像在梦境中。”而他的梦想就是“像光一样跳舞”。
对黄翊来说，舞蹈是“让我表达自己存在的一种方式，我从小就是在舞厅长大，耳濡目染，从舞蹈到音乐，舞蹈的身体……对我来说就像空气，是我会存在的一种原因，而我做了什么，怎么思考，几乎也是舞蹈填充了所有的世界”。
Q：您比较喜欢在舞蹈中使用摄影、灯光等新形式，在《流鱼》中，您会使用哪些新的元素和手段？
A：小时候家境最差的时候，我父母不放弃教育，买了一台电脑给我，那时我就决定要靠自己的能力更新电脑。一般中学生电脑里是游戏，我的是从网络上下载下来的设计软件，从中学开始摸索摄影、动画、简单的程式语言，所以电脑对我来说意义不太一样，不太像是工具，比较像朋友，像有生命一样。所以我不是利用电脑，而是和它们合作。
对我来说，要掌握所要跨领域的各种项目到一定程度才能融合得比较理想，所以必须先做很多功课才行。跨领域的创作需要很大包容度，但又不能妥协。
布拉瑞扬：舞蹈是我和世界沟通的方式
“舞蹈成就了我，因为它让我认识了自己，找到了自己，我从舞蹈里面找到自我存在的价值，也更有自信了。舞蹈已经是我和世界沟通的方式。”
从名字你就可以看出，布拉瑞扬是不折不扣的原住民。12岁那年，姐姐带他看了一场云门舞集，对肢体运动非常敏感的布拉瑞扬当时便立志当一名舞者。14岁时，布拉瑞扬偷偷地报名参加高中的舞蹈实验班，主考官正是林怀民；毫无基础的布拉瑞扬看到别人都有底子，十分灰心，一直没有发言的林怀民却突然说：“如果我让你考上的话，你会不会来念？”从此，布拉瑞扬便踏上了自己的舞蹈之路——“从15岁开始习舞至今，总有人问，有没有放弃过啊？我觉得这个问题就好像是问，你有没有绝食过一样。舞蹈已经像吃饭喝水一样在我生活里那样自然了，舞蹈就是我生活的绝大部分。”
Q：作为一个原住民，觉得自己在学舞蹈上有什么优势？舞蹈给你的生命带来了什么样的感受？
A：最大的优势可能就是我长得和其他人比较不一样，会比较显眼，也比较容易被各种人询问，所以交朋友也很容易。我12岁就立志要当一名舞者，对于一个住在部落山上的孩子，是一件遥远的梦想。为了追求舞蹈的梦想，我离开了故乡，一个人到都市求学。原来那个在山上光着脚丫在田里跳舞的孩子，顿时觉得自己处在一个不一样的世界。求学的过程非常煎熬，因为一个人租房在外生活，一切都要自己打理，也特别孤单。但进了舞蹈教室，好像一切都美好了。
“我的作品都和人的灵魂有关系，是和人的灵魂和思想的沟通与交流。”
沈伟：对美的生命状态的追求是我的本性
也许你还记得，2008年北京奥运会开幕式上，15位身着青衣的演员用身体和现代舞的技法，在特制的巨大画布上完成一幅中国山水画。《画卷》篇让沈伟成为拥有世界上最多观众的编舞家，而被《华盛顿时报》称为“我们时代最伟大的艺术家之一”，由此可见这位舞蹈家在世界舞坛的影响力和作品的优秀程度。
生于1968年的沈伟是湖南岳阳市湘阴县人，父亲是当地湘剧团的导演，沈伟顺理成章地踏上了艺术之路。起初，沈伟学习的是戏曲和书画。直到1989年，一次偶然机会，沈伟看到加拿大现代舞团的表演，新的舞蹈语汇，对身体语言、肌体关系的新的诠释使他深受震动，他毅然考入广东现代舞团。1994年，沈伟荣获中国全国现代舞比赛编舞及舞蹈表演第一名，取得“尼可斯/路易斯舞蹈实验室”的奖学金，留学纽约，由此开始了他的国际舞蹈生涯。在纽约，沈伟大胆地把中国书画、服装和西方现代舞、多媒体艺术进行了有机地结合，并独创了独特的“自然身体发展系统”，他的舞团也成为首次在林肯中心演出的现代舞团。正如一心沉浸在艺术世界里的沈伟所言：“跳舞、画画，对美的生命状态的追求是我的本性。”
Q:您的作品比“传统”的现代舞更为大胆，融合了很多不同类型的表现方式，对多媒体的使用更是备受赞誉，您对舞蹈的认知是怎样的？
A:我的每个作品都有它不同的方向，从表现形式和表现内容上其实都有不一样的地方。整体来说，我的作品都是和人的灵魂有关系的，是和人的灵魂和思想的沟通与交流。实际上我的很多作品都是理性地思考，你可能会觉得灵魂上理性地沟通好像很奇怪，我们以一种坦诚的表达方式，让观众觉得好像在看自己的日记一样。
我很多的表现方式也来源于我从小的积累，学画画让我能够更好地找到配合我作品的视觉表达。其实这些年我不仅编舞，也一直在画画。这两者其实是相辅相成的，一方面提高了我对舞蹈的认识，另一方面也锻炼了我的绘画技艺。艺术创作有时候是很麻烦的一件事，作为编舞，如果你找不到一个人能够特别理解你的舞蹈，那么出来的视觉呈现经常不能够传达你的想法，有时候甚至是背道而驰。这其实也锻炼了我自己，你们看我的作品，可以很明显地看出，从音乐到视觉、到舞蹈，都有一个很统一的表达。我既有中国传统文化的根基，同时也了解西方现代文化，这就帮助我从宏观上更好地把握我的作品，无论去到哪个国家，都可以与不同文化背景的观众对话。
Q：在纽约的生活给您的创作带来了什么样的影响？
A:全世界最重要的现代舞大师大多都在纽约，何塞·利蒙、摩斯·肯宁汉、保罗·泰勒，他们都在这个城市里，就那么一个小小的地方。就是这样一个地方，不会给你懒惰的机会，特别是当你看到别人的作品时，就更刺激你回家努力工作。你不会被人打倒，反倒是被别人刺激和推动。
对于一个特别好学的年轻人来说，去到纽约实在是有太多东西需要吸收了。有那么多博物馆，那么多剧院，感觉如鱼得水。而且因为我喜欢，所以无论多辛苦我都不觉得辛苦。你会觉得很开心，因为有兴趣，因为你在做你自己想做的事情。不过开心的同时，很明显感觉到了很多不足，对于西方的音乐、戏剧和绘画艺术，之前学习到的那些，真的就只是一点皮毛。有很多东西都是书本上学不到的，真的是要从实践中才能得到许多经验。同时，也会开始了解世界文化的发展方向，这才是你需要把握住的东西。
《春之祭》 《声希》 《天梯》
沈伟经典作品中国首演
2012年11月19日~11月20日
沈伟自解读：
《春之祭》：我的版本可能没有故事情节，但我更深入地挖掘了音乐，对音乐结构的认识，融合了我不同的舞蹈语汇。这是一个抽象的、音乐性的、运动感的《春之祭》 。在斯特拉文斯基创作《春之祭》的时候，世界上还从未有人像他那样理解、创作音乐，所以这是一个里程碑式的作品。而我在创作的时候，也使用了完全革新的舞蹈语汇，编舞方法也是，我想这种独创性也与当时音乐诞生时的氛围有所沟通。
《声希》：来源是老子的那句“大音希声，大象无形。”在创作期间，我沉醉于简单的折叠动作中的那种感觉：无论是折叠的纸、布、人体，或是任何其他东西。由这种简单动作的感觉然后发展去到另一个时空。
《天梯》：我建团的一个作品，它的风格与超现实主义很接近。我开始对简单的中心控制的动作与空间、时间和视觉元素之间的关系做细致的工作。在研究《声希》开启的运动概念的同时，也在研究比利时超现实主义画家保罗·德尔沃的画作，这些画作最终成为《天梯》灵感的源泉。
还有什么？
11月12日~11月13日
英国伦敦赛德勒斯·威尔斯剧院/希薇·纪莲舞蹈 《六千英里之外》
当今舞坛身价最高的女星希薇·纪莲联手3位顶级编舞大师带来“神级”舞作。
11月13日~11月14日
培艺艺术基金·云聚系列之古典舞 《神色》
由舞蹈家沈培艺任艺术总监的培艺艺术基金打造。精选优秀古典舞作品和明星舞者，濮存昕担任朗诵，刘岩将坐轮椅重圆舞蹈梦。
11月17日~11月18日
意大利阿岱舞蹈团 《春之祭》《罗西尼卡片》《宛如呼吸》
用肢体倾听罗西尼、亨德尔、斯特拉文斯基。
11月21日~11月22日
《三个女人与四个编舞——穿越大陆》
国家大剧院力邀谭元元、许芳宜、阿什莉·鲍德3位女星，呈献世界首演最新力作。
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